Vers 1520–1600 · Virtuosité, tension et imagination après la Haute Renaissance

De Pontormo et Parmigianino à Bronzino, Tintoret, Arcimboldo et El Greco, le maniérisme préfère figures allongées, couleurs irréelles, poses complexes et espaces instables à l’équilibre classique.

Le maniérisme se développe en Italie autour de 1520, après les grands accomplissements de Léonard, Raphaël et Michel-Ange. Le terme vient de « maniera », mot qui désigne le style et la maîtrise personnelle. Longtemps interprété comme une décadence de la Renaissance, le mouvement est aujourd’hui compris comme une recherche volontaire de sophistication, d’artifice et de liberté. Les artistes ne cherchent plus seulement l’harmonie naturelle : ils étirent les corps, tordent les poses, compriment l’espace et associent des couleurs inattendues. Florence et Rome jouent un rôle majeur avec Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino et Bronzino. À Venise, Tintoret accentue les diagonales, la vitesse et l’éclairage. La cour de Fontainebleau diffuse le style en France, tandis que Prague devient un foyer spectaculaire autour de Rodolphe II, Arcimboldo et Spranger. El Greco porte enfin l’élongation et la couleur visionnaire jusqu’à une expression spirituelle radicale à Tolède. Les quatre œuvres choisies rendent cette diversité lisible. Pontormo déstabilise une réunion sacrée par les attitudes et la couleur. Parmigianino construit la Vision de saint Jérôme autour de corps élégants et de rapports d’échelle insolites. El Greco fait de la Résurrection une ascension de formes lumineuses. Arcimboldo assemble fruits et végétaux pour transformer l’empereur en Vertumne. Le maniérisme apparaît ainsi moins comme une formule que comme un art conscient de sa propre invention.

Le maniérisme ne corrige pas l’artifice : il l’exhibe. La beauté vient de la difficulté, de l’élégance improbable et de l’imagination du peintre.